Volver de Pedro Almodóvar (2006)

Almodóvar dirige otra gran película con Volver que cuenta la historia de una familia con muchos problemas.  La protagonista, Raimunda, es una esposa y madre en apuros que vive en Madrid son su esposo y su hija, Paula.  Ella viaja entre Madrid y su pueblo de La Mancha con su hermana, Sole, para encargarse de los conflictos en su familia.  Tres años antes, los padres de Raimunda y Sole murieron en un fuego  pero hay muchos eventos sobre aquellas muertes que son muy misteriosos.  Hay rumores en su pueblo de que se ha visto a su madre muerta.  Pero, eso es imposible, ¿no?

Después de la muerte repentina de su esposo, Raimunda tiene que hacer algunos cambios en su vida y con su familia lo que va a provocar la revelación de muchos secretos.  Estos secretos pueden ser lo que eventualmente haga que esta familia distanciada se una de nuevo. 

Un tema muy importante en esta película, y en la mayoría de las otras obras de Almodóvar es la importancia de la madre.  A pesar de la ausencia de su madre, Raimunda y su hermana todavía sienten su presencia y  la tienen a ella como guía. Raimunda misma para por una evolución interesante de su papel de madre, respecto a Paula.  A lo largo de todo el drama y la tragedia, Almodóvar nos muestra que esa familia atípica que nos presenta siempre va a sobrevivir. 

Por Carley Snoznik 

Todo sobre mi madre de Pedro Almodóvar (1999)

La película Todo sobre mi madre es un drama sobre la vida de una mujer, Manuela, que perdió a su hijo, Esteban, después de un accidente.  Pero, es obvio que su vida no es normal.  Después de la muerte de su hijo, Manuela va a Barcelona porque quiere encontrar al padre de Esteban.  Cuando llega a Barcelona, Manuela se reencuentra con Agrado, un travesti. También, conoce a la Hermana Rosa, una monja embarazada.

Otra vez Almodóvar incluye las drogas, la prostitución y los complicados entresijos del amor como aspectos importantes de su película.  La protagonista está huyendo de sus problemas, pero es una huida hacia el pasado, para arreglar lo que nunca se reparó y poder seguir adelante. Almodóvar parece insistir en lo importante que es estar en paz con el lugar de donde una viene y los eventos que allí, en ese pasado, acontecieron. Esta es una película de pérdida del amor y de dolor, pero también de recuperación de la fuerza femenina, y de la identidad. El duelo de Manuela por su hijo no se cura hasta que aparece el tercer Esteban y se queda en paz al poder hablar con Lola. 

Una frase muy importante la pronuncia Agrado desde el escenario cuando habla con la audiencia después de que se haya cancelado la obra.  Agrado dice, "Una es más auténtica cuando más se parece a lo que ha soñado de sí misma..."  No cabe duda de que Almodóvar entiende la identidad femenina como una construcción basada en la propia libertad de elección y en la actuación, que es otro aspecto muy importante de la película pues la mayoría de los personajes actúan. En las películas de Almodóvar los únicos personajes que alcanzan la felicidad, la paz, son aquellos que logran alcanzar los sueños que tenían. Por ejemplo, Agrado y Lola cambian su sexo porque prefieren una vida como mujer.  A Almodóvar le poner en escena a las mujeres y sus tribulaciones, pero siempre incluye los problemas que las mujeres tienen con los hombres, aún cuando ese hombre es al final una mujer.  

Por Melissa Brewer

Mujeres al borde de una ataque de nervios de Pedro Almodóvar (1988)

Mujeres al borde de un ataque de nervios de Pedro Almodóvar se estrenó en 1988. Detalla dos días en la vida de actriz de doblaje Pepa, cuyo amante y compañero de trabajo, Iván, acaba de abandonar. Iván estaba casado con Lucía y sin el conocimiento de Pepa, había tenido un hijo con Lucía llamado Carlos. Nunca vemos en la película a Pepa e Iván juntos; solamente comunican por recados en el contestador automático.

Iván deja un mensaje para Pepa diciendo que está a punto de salir de viaje y pide a Pepa que le haga la maleta. Pepa se despierta muy tarde y cuando escucha al mensaje, se apura por llegar al estudio para poder hablar con Iván. El se acaba de marchar y desde ese momento Pepa pasa mucho tiempo pensando en él.

Al mismo tiempo, su amiga Candela pide ayuda a Pepa porque ha alojado a unos terroristas y tiene miedo de que ellos vayan a entregarla a la policía porque les ayudó.  Poco después de que Candela llame a la puerta de Pepa, una pareja también llama a su puerta porque desean ver el ático de Pepa que está en venta. Carlos, el hijo de Iván, y su novia son quienes visitan el ático.

A partir de ese momento los acontecimientos se complican hasta rozar el absurdo pero es completamente coherente dentro de las normas del <<almodrama>>. Además de las coincidencias, otro elemento recurrente en el guion de Mujeres es la mostración de la sociedad española cambiante de los 80 desde el prima de Almodóvar. Pepa, por ejemplo, le cuenta a Candela que “la gente joven no sabe luchar por las cosas. Creen que la vida es todo placer. Pues, no. Hay que sufrir, y mucho.”. Parece aquí que se trate de la voz del director manifestando el sufrimiento de las mujeres por la marginalización de la sociedad española incluso en la época de la transición. Se intuye una crítica a la generación siguiente a la de Almodóvar, la que creció en la época posfranquista en un ambiente de más libertad, una libertad que no han de dar por sentado.


Por Charanya Kaushik

¡Qué he hecho yo para merecer esto? de Pedro Almodóvar (1984)

¿Qué yo le hecho para merecer esto!  trata de una familia disfuncional en el Madrid de los 80. Gloria, el personaje principal, es un ama de casa frustrada que limpia casas, mientras que su marido, Antonio, conduce taxis por poco dinero, pero argumenta acerca de la falta de buena comida y el vino en la casa cuando llega a casa. Gloria tiene dos hijos, uno llamado Toni, que vende heroína, y el otro llamado Miguel que es homosexual. La madre de Antonio es frugal y un poco senil, y trae un día a casa un lagarto llamado Dinero. Durante una intensa lucha entre Gloria y Antonio una noche, Gloria accidentalmente mata a Antonio con una pata de jamón y tiene que ocultar las pruebas. ¿Qué yo le hecho para merecer esto! retrata la lucha de Gloria y otras pequeñas historias entrelazadas.

El tema de la frustración femenina y la desintegración familiar es muy frecuente en la película. Desde el comienzo de la película, Gloria se siente frustrada con la monotonía de su vida, la falta de dinero, el marido improductivo, los niños disfuncionales y la suegra entrometida. Como resultado de ello, Gloria toma medidas drásticas como la de dar a su hijo a un dentista pedófilo y matar a su marido durante una discusión. Gloria está en busca de algo más importante en la vida, o simplemente una vida mejor. Esto se demuestra en su obsesión por una plancha de rizar el pelo que ella compra inmediatamente después de dar a su hijo al dentista. Esto nos lleva a preguntarnos si Gloria está actuando en base a las frustraciones que vive en casa, o animada por su propia obsesión por la belleza y "algo mejor".

¿Qué yo le hecho para merecer esto! contiene aspectos del neorrealismo italiano, que Almodóvar incluye en su cine. Las películas de este género, y ésta en concreto, representan familias de clase trabajadora y sus luchas cotidianas. Sin embargo, aunque los elementos del neorrealismo italiano son importantes, Almodóvar incorpora también elementos provocadores, transgresores, como la prostitución, la pedofilia, y los poderes de telequinesia. Estos aspectos dan un toque más moderno a la película y un enfoque casi abstracto.

Por Jason Herpy.

Mar adentro de Alejandro Amenábar (2004)

Una lucha emocionante con la muerte

A diferencia de las películas de suspense de Amenábar, como Los otros y Tesis, Mar adentro es la historia emocionante de un tetrapléjico que no quiere vivir más aunque el gobierno le prohíbe recibir asistencia para morir. Alejandro Amenábar cuenta la lucha de Ramón Sampedro (Javier Bardem), un mecánico de barco que fue paralizado tras un accidente de buceo que rompe su cuello. Por más que veinte años Ramón vive en su cama con el cuidado de su hermano y su familia. Aunque él muestra buen humor en la película, Ramón quiere morir pero legalmente, nadie puede ayudarlo. Por eso, él pide la ayuda de tres abogados para reclamar el derecho a morir. Un relación empieza entre Ramón y una abogada, Julia, que tiene una enfermedad neurológica degenerativa y comparte los sentimientos de Ramón. A lo largo de la película podemos ver la lucha interior de la gente que quiere a Ramón porque ellos no quieren perderlo pero tampoco quieren verlo sufrir.

Amenábar hace siempre películas que exigen al público que piense. En esta película pensamos mucho en Ramón y en su familia porque sentimos la lucha entre los personajes y la idea del suicidio asistido. La excelente actuación de Bardem complica la lucha interior del espectador que ve en Ramón un personaje amable y encantador, pero que despierta también simpatía para con su petición final. Es muy interesante que en la película, Ramón siempre tenga la compañía de su familia, amigos, o amantes y mantiene su buen humor aunque quiere morir. Creo que Amenábar formula una pregunta sobre la importancia de la vida y el derecho a elegir para un individuo. El punto de vista moral o político en el debate es muy obvio pero filosóficamente, su mensaje es menos claro. Creo que Amenábar quiere decir que la importancia de la vida depende de cada persona por eso cada personaje tiene su propio punto de vista con respecto a la muerte y a otras cuestiones como el amor y la religión.

 En comparación con otras películas de Amenábar, Mar Adentro es la más emocionante y filosófica. En ese sentido se la puede vincular con Abre los ojos porque ambas películas reflexionan sobre la importancia de la vida y nuestra posición en la vida. En cierta manera comparten el mismo tema porque en Abre los ojos las personas con enfermedades graves pueden morir y ser congelados criogénicamente hasta un futuro en el que exista un remedio para sus dolencias. Ambas películas reflexionan sobre la vida y la muerte en sentidos diferentes. 

Por Daniel Sprando 

Los otros de Alejandro Amenábar (2001)

El enemigo de las sombras

                  Normalmente en las películas de terror, la oscuridad es la cosa que inspira miedo. Y esto es cierto en Los Otros (2001), dirigida por Alejandro Amenábar, también. Pero hay una fuente de miedo más grande en la película, y es lo opuesto de lo que se podría esperar. La luz es tan peligrosa como la oscuridad en la película, y Amenábar utiliza esta dicotomía entre luz y oscuridad para crear angustia en la oscuridad, y en la falta de ésta también.

                  Los otros ocurre a mediados del siglo XX, después de la segunda Guerra mundial, en la isla de Jersey. Grace (Nicole Kidman), la madre de dos niños, viva allí con sus hijos. El padre se fue para luchar en la Guerra y todavía no ha regresado. Casi todo parece normal en sus vidas, pero nada con Amenábar es lo que parece. Los dos niños no pueden estar en la luz porque sufren de una enfermedad rara, y los sirvientes desaparecen justo antes de que unos sirvientes nuevos lleguen sin motivo. Empiezan a suceder cosas extrañas. Hay personas que solo los niños pueden ver, las cosas se mueven por sí solas, aparence un libro con fotografías de muertos, se oyen ruidos que vienen de habitaciobes vacías… Todos estos fenómenos inexplicados dejan al espectador en una constante incertidumbre. El elemento único sin embargo es la ansiedad que genera la luz en la película, es una elección orginal por parte de Amenábar hacer de la luz el enemigo.

                  La película es parte de un grupo de películas recientes cuyas tramas versan sobre los muertos, y nuestro miedo de la muerte, la oscuridad y lo desconocido. La película es similar a The Sixth Sense (M. Night Shyamalan, 1999) y Shutter Island (Martin Scorsese, 2010), un thriller psicológico.  Los temas de esta película son creativos e importantes, con la creencia en Dios como tema central a la trama. La actuación de Nicole Kidman como Grace, es la fuerza que lidera las demás interpretaciones.  Todos los otros personajes palidecen en comparación. 

                  Por último la película es una obra excelente de un director joven, con la complejidad e interés de una película propia de un maestro, y la actuación perfecta del personaje central de la película. 

Por Anthony Picozzi

Abre los ojos de Alejandro Amenábar (1997)

Alejandro Amenábar crea una película llena de misterio y suspenso con la idea de los sueños y la realidad en Abre los ojos.  Esta película emocionante obliga a la audiencia a tratan de juntar las piezas del rompecabezas.  Abre los ojos es una película de ficción que se centra en el tema de la obsesión y mantiene al público constantemente en vilo.

La película comienza con una voz tranquilizadora que susurra "abre los ojos," que oímos de nuevo varias veces más. Cada vez que oímos estas palabras, César, el personaje principal, abre sus ojos a una vida que puede ser real u onírica. Al principio, César es un muy rico, muy guapo, un joven adulto. Después de abandonar a su obsesiva ex-amante, Nuria, él se enamora de Sofía en su fiesta de cumpleaños. Sin embargo, Sofía estaba originalmente con el mejor amigo de César, Pelayo. Después de que Cesar lleve a Sofía a su casa y se quede allí a pasar la noche, Nuria le está esperando a la mañana siguiente. Cuando se va con Nuria, ella conduce su coche fuera de la carretera y ella muere. César se queda con la cara desfigurada. César se obsesiona con tratar de arreglar su apariencia. Él incluso lleva una máscara para ocultar su desfiguración.  Él también está obsesionado con Sofía o simplemente con la idea de Sofía. Mientras César se sienta en una cárcel psiquiátrica por asesinato, dibuja muchas veces a Sofía y tiene muchas escenas retrospectivas con ella.

A lo largo de la película, el público siempre está haciéndose preguntas ... ¿Está la cara de César curada por una operación milagro? ¿Son Nuria y Sofía la misma persona? ¿Está Cesar loco? Al final de la película, entendemos mejor lo que la ha pasado a César, pero todavía hay algo de confusión y preguntas sin respuestas. Hay muchos giros inesperados y sorprendentes que hacen de ésta una gran película.

Debido a la popularidad de Abre los ojos, Cameron Crowe rodó un “remake” americano de la película llamada, Vanilla Sky. Con muchas opiniones controvertidas, le recomiendo ver el original primero porque Amenábar es un director muy singular y no se sentirá decepcionado por Abre los ojos.

Por Ashley Ayre.

Tesis de Alejandro Amenábar (1996)

Tesis de Alejandro Amenábar está ambientada en la Universidad Complutense de Madrid. Amenábar crea realismo con la vida de la universidad real, con las clases y los estudiantes normales. Esta película trata temas como la violencia, los misterios, y la confianza. La historia es un misterio con muchas preguntas sin contestar, también con incertidumbre de todos los personajes hasta el final de la película. Es como la película más moderna, Shutter Island (2011) donde hay una desaparición de alguien  pero no se sabe quién es responsable durante la mayor parte de la trama de la película. Se necesita prestar la atención todo tiempo para encontrar las pistas y resolver el misterio.  

En la primera escena, el espectador tiene la impresión de que una persona ha muerto en las vías del metro. Sin embargo, los espectadores no ven el cuerpo, solo ven la camilla de la ambulancia y oyen la música suspensiva. Esta película usa los efectos de sonido de una manera muy poderosa. Esa escena es un avance de los muchos misterios por ocurrir.

La protagonista, Ángela, es una estudiante de cine. Necesita escribir su tesis como proyecto final. Decide escribir sobre la violencia en el cine. El proyecto relaciona a Ángela con otro personaje de la película, Chema, un chico obsesionado con la violencia y la muerte. Después de la muerte del profesor de Ángela, ella roba el video que el profesor estaba mirando cuando murió y empieza a investigar. En el video hay un asesinato real, es una película snuff. Aquí, Amenábar usa los efectos de sonido porque la audiencia no ve nada. Solo oye los gritos de la chica que es asesinada, otra estudiante de la universidad.

Durante la investigación Ángela se da cuenta de que está en peligro. Por los giros y vueltas de la trama el espectador nunca sabe quién es el malo: Chema, Bosco, o el profesor Castro. Sin duda, no es una película aburrida con el efecto suspensivo y misterio el todo tiempo.

            Esta película es un juego mental para los espectadores. En el momento en que los espectadores  piensan saber quién es el asesino, algo ocurre que cambia su opinión. También, el factor de la incertidumbre juega un gran papel en la película. El uso del suspense, la música, el sonido y la imagen mostrada o no mostrada hace que el espectador permanezca pegado a su asiento hasta el final.

Por Rachel Wallace

Lucía y el sexo de Julio Medem (2001)

Cuando leí sobre Lucia y el sexo de Julio Medem en IMDB.com, creí entender que la película era una historia de amor y de casualidades.  Pero la profesora Alpañés nos advirtió que si pensábamos que Princesas eran explícita, que nos preparásemos.  ¡Dios mío! No estaba lista para esta película y gracias a dios que la miré en mi computadora y no en la biblioteca, en público.

 

La película deja en el espectador una sensación extraña porque se sigue el film esperando llegar a un final que lo explique todo, pero ese momento nunca llega. Las casualidades demasiadas frecuentes e inauditas son el sello inconfundible de Medem. A cada nuevo evento el espectador se pregunta si realmente lo entendió todo o si anda perdido en alguna capa del mundo diegético. Del encuentros casual con Elena se pasa a la historia de amor entre Lucía y Lorenzo. Luego, aparece Belén, la niñera de la hija desconocida de Lorenzo, que tiene relaciones con su padrastro y es testigo de la muerte de Luna... Y así mil vínculos casuales más.

El ir y venir entre lo real ficticio (la trama) y lo ficticio ficticio (la novela de Lorenzo), recuerda a Los amantes del círculo polar, película anterior de Julio Medem, y al cambio de perspectiva ente Ana y Otto. Medem crea confusión a propósito para forzar al espectador a determinar dónde termina la novela de Lorenzo y dónde empiezan los eventos que les suceden a él y a las tres mujeres con las que se relaciona.

También es característica de Medem el uso de la repetición. Por ejemplo, en Los amantes del círculo polar había una repetición de esos círculos de experiencias vitales. En Lucia y el sexo el tránsito circular de la luna y su influencia (y la del personaje del mismo nombre) sobre los personajes es esencial.

Lucía y el sexo es una compleja película sobre el amor y el deseo, las consecuencias accidentales, la diferencia entre la realidad y la imaginación...No hay una sola respuesta: hay que verla.

Por Gabrielle Conti

Los amantes del círculo polar de Julio Medem (1998)

La película Los amantes del círculo polar de Julio Medem (1998) es una historia de amor entre los protagonistas Otto y Ana.  Se conocen cuando son jóvenes y pasan la mayor parte de sus años de adolescencia secretamente juntos, hasta que son separados.  Medem explora el uso de la narrativa circular en su cuatro largometraje, que ganó dos premios Goya en 1999.  Cuando escribía la película, Medem usó elementos de su propia biografía: crecer bajo la dictadura de Franco, tener un padre alemán y una madre vasca. 

Los amantes del círculo polar empieza en media res, y a medida que avanza la película vemos los eventos a través de dos perspectivas: la de Otto y la de Ana.  Sus nombres son palíndromos, circulares, lo que es un tema recurrente en la película.  Los ciclos de la vida, la naturaleza, y el amor enriquecen la historia en la compleja trama. 

El primer encuentro entre Otto y Ana es casual. Otto está corriendo tras una pelota cuando conoce a Ana, que también corría huyendo de la noticia de la muerte de su padre. Tienen una conexión inmediata. La madre de Ana y el padre de Otto se conocen por una coincidencia y luego se casan. Debido a la unión de sus familias, Otto y Ana se convierten en hermanastros, lo que convierte su amor en algo prohibido y secreto.

Por casualidad o destino, se reúnen (o no) en Laponia, Finlandia, donde termina la película con dos versiones diferentes, lo que parece apropiado porque la narración se desplaza constantemente entre los ojos de Otto y los ojos de Ana. Los amantes del círculo polar lleva a la audiencia a adentrarse en la relación de los dos personajes y sus vidas cíclicas.

Por Tyler Schultz

Princesas de Fernando León de Aranoa (2005)

Las prostitutas y las princesas no parecen tener nada en común.  En Princesas, de Fernando León de Aranoa, él  nos obliga a prestar atención a las semejanzas entre las dos.  Princesas es similar a Barrio, otra película de León de Aranoa. Ambas películas prestan atención a las personas de las que la sociedad se olvida. También, ambas películas combinan el humor y la tristeza cuando exploran las historias de los personajes.

            Princesas narra las historias de Caye y Zule, dos prostitutas que viven en Madrid, España.  Caye es prostituta, princesa, y súper héroe. Ella trabaja como prostituta pero tiene sueños de un día ser una princesa y como un súper héroe tiene dos identidades: 1.) La Prostituta: que puede dar placer a todos con indiferencia. En palabras de Caye, ella puede hacer que otros vuelen.  2.) Caye: la hija, la novia, y la amiga. Durante la película Caye tiene un barrio que es una frontera simbólica entre ella y el mundo para proteger a las personas más importantes de su vida (su familia, su novio, y sus amigas) de las cosas malas que ocurren con la prostitución (drogas, infecciones, y violencia). Poco a poco nosotros vemos Caye luchar para mantener estos dos mundos separados.

            Princesas narra también la historia de Zule, una inmigrante dominicana.  Ella está en España para ganar dinero para su hijo que se quedó en la República Dominicana.  Muchas veces durante la película Zule necesita la ayuda de Caye.  Zule nunca pide ayuda, pero es la segunda identidad de Caye, Caye la amiga, la que protege a Zule de los hombres y de la policía.  Sin embargo, Caye no puede proteger a Zule todo el tiempo y nosotros vemos cómo la vida de una prostituta (especialmente una prostituta inmigrante ilegal) es muy peligrosa.

            Princesas es una película, estimulante, cómica, y dramática.  Tiene muchos toques personales del estilo cinematográfico de León de Aranoa, como la combinación de humor y dramatismo para narrar una historia de personas que la sociedad normalmente ignora.  Lo más importante es que la película nos obliga a preguntarnos qué diferencia hay entre una prostituta y una princesa.

Por Casey Ortega

Barrio de Fernando León de Aranoa (1998)

Barrio de Fernando León de Aranoa es una película que refleja la triste realidad que se vive en los barrios pobres de las ciudades grandes. El director consigue reflejar los problemas a los que se enfrentan los jóvenes que están atrapados en la marginalidad familiar, social, así como en la marginalidad de la edad, al tratar temas como el sexo, las drogas, y la pobreza. Barrio es una película realista con un toque de humor contada desde el punto de vista de unos adolecentes.

Barrio narra la historia de tres amigos adolescentes que viven en un barrio pobre de Madrid. La película cuenta las historias trágicas de Rai, Manu y Javi quienes se encuentran sin amor, sin dinero, y casi sin familia al mismo tiempo que están batallando con los problemas que acarrea la adolescencia. Cada personaje se enfrenta a sus propias batallas, las cuales resultan ser sumamente emotivas. Javi trata de sobrellevar los problemas de su familia al fingir ser fuerte emocionalmente pero llega el momento en el que ya no puede contenerse y empieza a llorar. Manu trata de suplir sus carencias familiares al obsesionarse con una niñera en busca de amor y cariño maternal. También consigue trabajar como repartidor de pizas para proveer dinero a su hogar aunque no tiene una motocicleta como es requerido por su empleador. Por ultimo tenemos a Rai quien se encuentra balanceándose en una línea muy fina entre el bien y el mal pero termina siendo consumido por las tentaciones del barrio ya que no tiene la atención ni el apoyo de sus padres ni de su hermano.

La inocencia de estos jóvenes es la que logra añadir un toque de humor a la adversidad de sus vidas. Fernando León de Aranoa hace un muy buen trabajo al mezclar la realidad y el drama con el humor sin que resulte cruel, logrando que el espectador no sea abrumado por la tristeza. Es una película sencilla y fácil de seguir pero logra también despertar varios sentimientos en el espectador que van desde la desesperanza, la tristeza, y la impotencia hasta la alegría. 

Esencialmente Barrio es una buenísima película que nos ayuda a reflexionar en la vida cotidiana que se vive en los barrios pobres.

Por Metzli Rivera